ボーカル

質より量の話

量

今日はネットで見た興味深い話。

あるアメリカの美術大学で行われた社会実験の話なのですが、
クラスを2グループに分け、

一方は「作品の質は問わない。数を出せば評価する」
他方は「作品は一点だけ出せ。その質で評価する」

という内容で作品を出させたそうです。

通常は僕たちの感覚としては「質」を求めたほうが良いものができると考えがちです。
作品の数だとテキトーにたくさん作ろうとするはずなので質も悪くなるに違いない・・・と僕も思います。

ところが結果は

「作品の質は問わない。数を出せば評価する」としたグループは質の良い作品がちらほら見られたそうですが、「作品は一点だけ出せ。その質で評価する」は質の良いものはほとんどなく、未提出者も出たそうで、「作品の質は問わない。数を出せば評価する」の方が質が良い作品が多かったという結果になりました。

一見これは私達のイメージとは違う結果です。でも経験則で考えると確かに質より量を求めたほうが結果が出ることが多いです。

顕著にその法則がでるのは作曲です。良い曲を作ろうと思うと大抵良いものは出来ません。どんどん作って駄目だったら捨てるというやり方が一番効率よく良い作品を生み出す方法なのです。よくドラマや漫画などで画家や作曲家が上手く作品ができないと紙をクシャクシャにして捨ててしまうというシーンが見られますが、あれなんかはまさにそうで、どんどん作ろうとする過程でできの悪いものは捨てていくというプロセスが垣間見えます。

楽器の練習もそう。デッサンのように最初はラフにそのあとで緻密に技術力をつけていきます。例えばギターのコードを押さえるのでも初心者だと全部は鳴らないことも多いですが、丁寧に弾くよりもどんどんコードを弾いていく方が上手くなります。これは指がいろいろなパターンを押さえることにより、より柔軟性がでるようになりますし指先も固くなりやすいからです。逆に1つのコードの質を追い求めていると結果的に上達のスピードが鈍る結果になります。

もちろん中級者以降は質も大事ですが、練習する際に質より量。気にしてみてください。正しく言うなら質を気にしながらも量をこなすことに重きを置く感じでしょうか。

脳を騙せ②

脳

昨日は脳の記憶の仕組みを練習に活かす話をしましたが、今日はさらにその仕組をわかりやすく書いていこうと思います。(ただ、僕は脳の権威ではなくネット等の情報で書いているので「ふーん、そうなんだぁ」くらいの軽い気持ちでお読みください)

脳の特性を活かすと練習法も変わります。昨日ギターなど楽器の練習をする際は、10時間ぶっ続けで練習するよりも、1日1時間を10日練習したほうが効率が良いと書きました。

1日で10時間の練習も脳にとっては反復練習なので当然記憶されやすくなります。でも1時間を10日練習すると脳は「こんなに長期間毎日やるのだから重要な情報にちがいない」と判断してより重要な場所に記憶することになります。要は練習した時間ではなく、練習した回数、期間、継続の方を優先するということです。

たとえばみなさんがある一日10時間くらい見ず知らずの人と一緒に過ごしたとします。当然話もするでしょうし打ち解けるかもしれません。記憶にも残るでしょう。

では10日間毎日1時間会ったらどうでしょう。10日目にはもう会うのが習慣化し、その人との会話も身近な人のようになるかもしれません。さらに何日かたつと例えば「昨日はあのあと何してたの?」とか会話のパターンも10時間一緒に過ごした場合とは違ってくるでしょう。

脳はある一定の期間で自分の記憶を整理します。整理の仕方が悪いと時間や場所などがあやふやになって想い出の場所に来たのが今の彼女だったか、前の彼女だったかわからなくなるような状況がうまれます。

整理した後に再び記憶を追加するとよりその記憶は強固なものになっていきます。

10時間連続で練習していても記憶の追加は行われません。
(そもそも10時間同じ練習だといろいろと無理が出てきますが・・・)

これが毎日1時間だと整理しながら追加が行われ、改善があります。また、集中力も違うため最終的にはずいぶん「記憶の質」に違いが出てくると思います。

皆さんも練習するときには自分の脳がどのように理解しているのか考えて練習に取り組みと効率が違ってくるのではないでしょうか。

加齢との戦い

年齢とギター

少し前のことになるがブログで「年齢と上達スピードにはみなさんが思っているような比例関係はない」といった記事を書きました。

その事自体は本当なのですが残念ながら年齢によっておこる問題もあります。

数ヶ月前の話になりますが、MLBのイチローが今季は選手としてはプレイしないことになったという記事を見ました。「やっぱりね・・・」という気持ちと「残念・・・」という気持ちが半々くらいの複雑な心境になったのを覚えています。

僕の中の持論としては「技術は年齢に関係なく伸ばすことができる。」という考え方があります。その反面「身体的には30~40前後から確実に衰える」という事実もあります。

この2つは一見相反するもののように感じるかもしれません。身体的に衰えるなら技術的にも衰えるんじゃないの??という意見も聞こえてきそうです。

ただ、僕の持論としては「もう歳だから・・・」とネガティブに物事をみる人の殆どが

「身体的には衰える」=「上手くならない」というロジックで動いているのだと思いますがこれは間違いです。

音楽はスポーツではありません。よって「速く弾ける=良い」ではありません。テクニカルなのが音楽の良し悪しの全部を決めるわけではないのです。これが速弾きだったら先に書いた「身体的には衰える」=「上手くならない」はまかり通るかもしれません。

ギターをはじめ楽器の演奏を「朗読」に例えてみるとわかりやすいかと思います。

朗読はもちろんテクニックも存在しますし、滑舌など基礎も存在します。

ただ、歳とはあまり関係ありません。もちろん歳をとればそれによる変化は生まれます。それは避けられません。声優さんでも俳優さんでも歳とともに出来なくなる役があると思います。ただしその代りとしてあらたに出来ることが増えるのです。

実際のところ楽器を弾くのには正しいフォームをしていれば、それほどの身体的負担はありませんし、プロの演奏家も体力は使いますが上手くなってこれば、歩くのと同じくらいの身体的負担しかありませんので年齢にかかわらずある程度の演奏は出来るようになります。

ただ、テーマに書いたように年齢とともに関節等の怪我は増えます。若い時は無理できたような練習量もこなせなくなります。そういう意味においては年齢と楽器の練習法自体は関連性は当然あります。ただし、それを「身体的には衰える」=「上手くならない」と捉えないようにだけしていただきたいと思います。

歌の話

歌の話

いつもレッスンのときには生徒さんが何か発見していってもらえると良いなぁと感じながらレッスンを行っています。

今日はボーカルの生徒さんの話、体験レッスンを受けて半年間悩んで入ったという真面目で努力家タイプの生徒さんです。半年前に入った時は腹式呼吸が何なのか、お腹に力を入れるということがどういうことなのかも全くわからない状況で入って来られました。

腹式呼吸は皆さん普段から自然にしているものなのですが、いざ「してください!」と言われても出来ない人は多いです。なぜかというと別に腹式呼吸が出来なくても生活が不自由になることはないため腹式呼吸が何なのかを生活の中で意識することがないからです。意識せずにしていることを意識してするのって意外に難しいんです。

ちなみに腹式ができなくても歌が歌えないことはありません。ただ胸式で歌ってしまう方は、

・なんか声が棒読みっぽい
・のっぺりとした歌しか歌えない

という悩みを持ってしまう方が多いです。

その生徒さんはまさに典型的な胸式タイプでリズムも音程も平均的にはとれるのですが何か気に入らない・・・と悩んでいたようです。

ボーカルはギターやキーボードなどの楽器と違い、もともとある程度は歌えるところからスタートすることになります。
これが楽器だと、まず音を出してみるという基本中の基本から始まるのですが、歌はなまじっか歌えてしまう分、基本をやり直すのが難しいと思われます。特に自分ひとりで何かしようと考えるとかなり難易度があがるかと思います。

ボーカルはそういった意味では「習う」というよりも最初は「修正する」といった概念の方が理解しやすいかもしれません。

知らない外国語を習うのと、慣れ親しんだ日本語の言葉遣いを治すのに近いと考えると難しさのタイプが違うのはわかっていただけると思います。

そんな生徒さんもようやくお腹から声を出すということがどういうことなのかわかるようになってきました。声量も初期に比べると5割ほど増しているように感じます。生徒さんも「カラオケに行くと以前よりも声が出るようになったように感じます」と言って感謝されるのは講師冥利に尽きます。

楽器が弾けないのと違って歌が上手く歌えないのは悩みになりやすいので少しでもお役に立てていれば嬉しいですね。

音痴で悩んでいる方へ

音痴矯正

ポワンポワンスタジオ八事音楽教室では音痴矯正ということを行っています。

実際に音痴で悩んでいる方は結構います。

おおよその印象ですが潜在的な人もあわせるとクラスに2~3人くらい。割合でいうと10~20人に1人くらいは悩んでいる方がいると思います。

ただ実際は音痴と言っても、「どこから音痴でどこから音痴でない」という境界線があるわけではありません。

完璧に音が取れる人自体がそもそもほとんどいないの一緒で全く音感がないという方もいません。

音感には程度があるので同じ状況でも自覚している方、いない方がいます。教室に相談に来る方は保護者の方が来るケースが多いです。

一つ誤解のないように言っておきますが、音痴は「治る、治らない」といったことはありません。そもそも病気ではなく感覚の問題なので言うのであれば「改善」の方がしっくりきます。

乱暴な言い方をすればどんな人でも音痴な部分は持ってます。そもそも音をどれくらいの精度で一致させることができるかという問題ですので、例えばドが歌いたいのにミの音を歌っていたら外しているのは明白ですが、ドの音を歌いたいのに若干フラットするのはどうでしょう?シに近いドであればどうでしょう?4分の1音外しているのは?

こうやって考えると音痴という概念が相対的なものだということがわかります。

実際レッスンではこの精度をあげていくことを行っていきます。

よく音痴矯正=ボーカルトレーニングという印象を持たれますが、どちらかと言うと音痴矯正=音感トレーニングの方が的確可と思います。

基本的にはトレーニングをすればほとんどのかたは状況は改善します。ただし、どれくらい上手くなるかはその生徒さんによって異なるというのが本音です。水泳で言えば全く泳げなかった人が1メートル泳げれば改善かもしれませんし、10メートルしか泳げなかった人が11メートルだとあまり改善とは言えないのかもしれません。

ただ、レッスンをしていて感じるのは本人にも、保護者の方にもとても感謝されていると言うことです。これは他の生徒さんのレッスンの感覚とは違うタイプのものです。

「うちの子、最近歌うのが好きになったみたいでずっと歌ってるんです」や「最近前よりも自信がついたように感じます」と言ってもらえるとこれはもう、講師冥利に尽きます。

もし悩んでいる方、保護者の方がいれば一度ご相談下さい。

「曲が出来た(弾けるようになった)」の違い

出来た

皆さんは「曲が出来た(弾けるようになった)」という線をどこで引いているでしょうか?

実はこれ、上手くなるうえで大事なことです。
いろんな生徒さんを見ていると、この「曲が出来た(弾けるようになった)」という感覚は十人十色。

レッスンでもどこまで課題曲を弾けるようになるまで続けるかは講師や生徒さんの感覚次第です。

初心者のうちは「ある程度弾ければ完成」というスタンスで大丈夫です。
なぜなら初心者のうちはきちんと弾くと言うことが難しく、きれいに弾くことを完成としてしまうと1曲に半年~1年以上の時間を使ってしまうからです。そんなに1曲を引っ張ると飽きてきますし、モチベーションも下がり非効率的になること間違いなしです。特にギターでは頑張って押えてもならないコードがあったりしますが、最初は全部鳴らなくても良しとするくらいがちょうどいいと思います。

これが中級者~上級者になってくるとどんどん視点が細かくなってきます。

初心者の時は見逃していたミスも中級者~上級者だと指摘されます。

チョーキングの音が若干低かったり、ミュートが上手く出来てなかったりとちょっとのことの積み重ねがプロの音を作ることを思い知らされます。

上級者~プロ志望になってくると「曲が出来た(弾けるようになった)」という感覚はそのまま録音してCDにできる程度のクオリティーを要求されます。間違えないのが普通で間違えなくても指摘されます。

音のビブラートの揺れの幅やピッキングする場所による音質の違い、カッティングの音の長さなど初心者の人が聞いても「??どこがみすなの??」というレベルになってきます。

このように「曲が出来た(弾けるようになった)」という線もレベルやその人の性格によってまちまちですが、ここに上手くなる秘訣が隠されているのかもしれません。

課題曲

課題曲

何か課題曲などを設定して弾くという行為は楽器を習っている人、そうでない人ともにあるかと思います。
特に音楽教室だと課題曲を指定してレッスンするということがとても多くなります。

僕はギターを教えることが多いのでギターで弾く課題曲を出すということになります。
課題曲と言っても僕が勝手に決めるわけではなく、基本的には生徒さんと話し合って決めます。

たいていある曲が弾けるようになってくると「次に弾きたい曲を2~3曲考えておいてください」と生徒さんに伝えるので生徒さんは自分が弾きたい曲で自分の技術にあった曲を選んできます。

なぜ2~3曲かというともし1曲しか持ってこなくてその1曲が難易度が高く、少しまだ今のレベルでは弾けない可能性があるからです。2~3曲あればなんとかなります。基本的には曲の指定はしませんが、初心者の生徒さんだと
・あまりテンポが速くない曲
・バラードだとやりやすい
・シンプルに聞こえる曲

という指定くらいはします。選ぶ曲でレッスンの進め方もかわりますので。

あとは初心者に優しいアーティスト、初心者に厳しいアーティストなども講師的にはある程度頭に入れてありますので例えば初心者に厳しいアーティストだと名前だけで反応してしまいます。

弾き語りでもスピッツやゆず、YUI、最近だと大原櫻子などは名前が上がった瞬間に「それ!」という感じですが、椎名林檎、星野源などの名前があがると「次!」という感じです。

もちろん曲の難易度は善し悪しには関係ありません。ほとんどの曲はキーをかえてカポなどを使えば大抵なんとか楽に弾けるようになりますが、途中で転調をしている曲だとキーをどれだけ替えてもどこかで難しいコードが出てきてしまったりします。

ギター講師の役割はもちろんギターを教えることですが、難しい曲を噛み砕いて消化しやすいようにして提供するのも講師の役割の1つです。

もちろん「エレキで完コピしたい」とかだと省いたりアレンジしたり出来ないので無理ですが、弾いている雰囲気を味わいたいというのであればいろいろやり方はあります。

よく生徒さんが「上手く弾けない」と言いますが、よく考えてみるとプロが弾いている曲を弾こうというのですから簡単なわけはないですよね?

逆に言えばアーティストによって難易度が変わるということは練習のために難易度を上げていくということもできるはずです。難易度の高低をうまく利用して練習に役立ててください。

目標のたてかた

目標設定

今日のレッスンはギタープロコースの生徒さん

プロコースの生徒さんには目標設定してもらうことがよくあります。
僕も昔はそうでしたが、目標の設定がうまくないと思っていることとしていることがちぐはぐになることがよくあります。

例えば講師になりたいのに速弾きばかり練習していても技術が偏る一方ですし、カッティングがうまくなりたいと言いながらメトロノームを使っていないのもどうかと思います。

上達スピードに不満がある生徒さんの場合に多いのが目標が曖昧ということ。
今日の生徒さんは「25歳までにはプロ並みに上手くなっていたい」とのこと。

「上手くなりたい」は皆さん思うことです。でも「上手い」自体が相対的すぎて曖昧です。

・ギターソロが上手い
・カッティングが上手い
・アレンジが上手い
・指弾きが上手い

いろいろあります。

もしかしたら全部のことを指しているのかも知れませんが、「何をしても上手い」という人はなかなかいません。

オールラウンダーになろうとすればなろうとするほど広く浅くなります。どんな人にも時間は限られていますので
「狭く深く」か「広く浅く」になりやすく、「広く深く」というのはそうそう難しいと言わざる得ません。

僕は職業柄、比較的オールラウンダーな方ですが、エレキで言えばロック、ジャズ、R&B、アコギだとフォーク、カントリー、ブルース、ガットギターだとクラシック、ボサノヴァなど多岐に渡りすぎて深めていくのがとても大変です。

どんなにオールラウンダーな人でも一番得意なものは持っていますし、目標設定をする際に技術目標としてはある程度絞って練習しなければいけません。

幅広く技術を身に着けたいなら僕はジャズをおすすめします。

他のジャンルをする時に理解が早く、ブルースやR&Bなどの黒人音楽とも親和性が高いので使い勝手が良いのです。また理論もジャズで覚えておけば大抵の現場で役に立ちます。

みなさんも目標設定してないという方は、是非具体的な目標設定をしてみてはいかがでしょうか?

「〇〇が弾けるようになる」でもいいですし「BPM120で16分が弾けるようになる」でもいいです。
目標設定があると何を練習すべきかがわかりやすくていいのでおすすめです。

発表会について

ギター発表会

ポワンポワンスタジオ毎年7月の海の日に発表会を行っています。
ギターやベース、ドラム、ボーカルなどが参加するライブ形式の発表会です。

ギターでもボーカルでも他の楽器でも練習した成果を出す場所があるとモチベーションはとてもあがります。

一番違うのはもちろん人前で演奏するということ。
普段の練習で失敗しても「あ~失敗した・・」くらいかもしれませんが、人前でフレーズを間違えたりすると絶望的な気分になります。頭が真っ白になって何も考えられなくなる人もいます。

失敗しなくても緊張するためなかなか練習通りの演奏はできません。人にもよりますが、相当な緊張屋さんの場合、実力の30%くらいしか出せないときもあります。緊張しない人でも練習以上の演奏を見せることはないでしょう。

普段の練習と違うことは他にもあります。それは「最初から最後まできちんと仕上げる」ということです。
練習だと曲をきちんと仕上げる必要はありません。どこまで弾けるように頑張るかは本人次第ですので、最後まで弾けるようにならなくても次の曲にいけますし、弾けない部分は飛ばしたっていいのです。

でも発表会はそうはいきません。途中から弾くわけにもいけませんし、途中まで弾くわけにもいきません。

イントロは?エンディングは?間奏は?など構成も決めなくてはいけませんし、盛り上がりなども考えて構成を決めなくてはいけません。こういったことも人前で演奏する機会があるからこそです。いくら曲に飽きたからといって弾けてないのに次の曲に進むわけにもいきません。

そして講師という教える立場からみる発表会の一番のメリットはなんでしょうか?

実は「発表会が終わった後に何が残るか」なのです。

発表した後ほとんどの生徒さんには充実感は感じられますが、反省点がたくさん残ることになります。
実はこれが大事で終わった後に何を得るのか、どんな課題を自分に課すのかというのが講師的には一番大切なことだと言えます。

なので生徒さんが失敗してもいいんです。。。。。。教える立場としては(笑)

もちろん生徒さんは失敗したくはないので失敗すればとても落ち込むこともあります。
でもそれも含めて発表会です。落ち込む生徒さんはいても後悔する生徒さんはいません。皆さん次回も出たいと言ってくれます。

もし興味がありましたらポワンポワンスタジオの発表会見に来てください。
7月16日(月祝)14時45分開場 15時15分開演
場所:金山 ジョイサウンド2階ホール

入場無料(フリードリンク代500円だけかかります。)

おやじバンド

oyaji

昨日懐かしい曲の話を書きましたが、10年くらい前からでしょうか。
中年のいわゆる「おやじばんど」と言われるバンドが世に出てきたのは。

もちろん昔もやっている人はいました。でも今中年の人はかつてのバンドブームだった頃の世代です。
バンドブームの前にもGS(グループサウンズ)のブームはありましたが、これはどっちかと言うとアイドル的な位置づけのバンドも多く、どちらかと言うとフォークソングの方が世相を反映させてたと言えるかもしれません。

1980年代後半からはじめるバンドブームはフォークソングブームと入れ替わりで出てきたような印象があります。フォークソングという言葉は今もありますが、1980年代後半には若干死語的な印象を小学生ながら受けていた記憶がありますが今も不思議とフォークソングという名称は残り続けています。フォークソング世代のニーズが高いのも要因としては大きいと思います。

1980年代後半からイカ天(イカスバンド天国)というTV番組がヒットし「JITTERIN’JINN」「カブキロックス」「BEGIN」「BLANKEY JET CITY」「たま」などのバンドが出てきました。今と違い音楽が細分化しておらず、youtubeもなかったので音楽といえば弾き語りかバンドかアイドルか演歌、歌謡曲といった感じでしたので10代~20代の若者は必然的にバンドを聞くようになります。ビートルズなどの洋楽のブームが一段落したのも大きかったのかもしれませんし、カラオケの隆盛もあったかもしれません。

その世代がここ10年ほど前くらいから昔を思い出してバンドをやる人たちが増えています。ライブハウスなども若者のライブハウス離れを補うために積極的にこういった流れを利用しているライブハウスもあります。

レッスンでもそのうちそういった事をやりたいと入校してくる生徒さんも多いです。

レッスンしているとこっちまで童心に返りそうで懐かしい気分になります。生徒さんも40~60代くらいのかただと会社でも管理職になる方もいて、習うよりも教えることの方が多くなってくる年齢のようで、学ぶことの楽しさを味わっているようなレッスンが続きます。

僕も年齢的にはそろそろそれくらいの年齢なので一役買えたら良いなぁと思う次第です。