ディミニッシュコードは万能②

Cディミニッシュコード

ディミニッシュコードは万能②

昨日はディミニッシュコードの有用性について書いていきました。
ディミニッシュコードはアレンジに使えて「Cdim=E♭dim=G♭dim=Adim」となりますよ。という話で終わったかと思います。

さて、コードというのは1つのコードで別の読み方をすることが多々あります。例えば「ドミソラ」だと「C6」というコードになりますが、これが「ラドミソ」となると「Am7」というコードになります。
ギターの人だと

C6
—0–
—1–
—2–
—2–
—3–
—X–

Am7
—0–
—1–
—0–
—2–
—0–
—X–

と表記をしますが、ベースなどがいる場合はどっちで押えてもC6にもAm7にもなります。
ベースがAを弾けばどっちを弾いてもAm7の音になりますし、ベースがCを弾けばどっちを弾いてもC6の音になるのです。

ウクレレだともっとシンプルです。
—0–
—0–
—0–
—0–

乱暴なようにも見えますがこれでC6でもAm7でもいけるのです。逆にいうとウクレレでもしも「C6→Am7」というコード進行があったらちょっと困ります(笑)両方一緒になってしまうからです。そんなときは数字をとって「C→Am」にするかと思います。

そんなようにコードの構成音が近いとコードの響きも役割も近くなるという性質を使ってディミニッシュコードを他のコードに置き換えてみます。
例えばCdimは構成音が「ド・ミ♭・ソ♭・ラ」と前回書きました。これに近いコードを探すとA♭7(♭9)というコードが見つかります。A♭7(♭9)というコードは「ラ♭ドミ♭ソ♭シ♭」という音の構成でできています。
比べてみると
Cdim 「ド・ミ♭・ソ♭・ラ」
A♭7(♭9)「ラ♭ドミ♭ソ♭ ラ」
となります。
並べ直すと
Cdim 「ド・ミ♭・ソ♭・ラ」
A♭7(♭9)「ド ミ♭ ソ♭ ラ ラ♭」
おおっ! ほとんど一緒。
コードの構成音がここまで近ければ同じコードとして使えます。

ということは「Cdim=E♭dim=G♭dim=Adim」なので・・・・
「Cdim=A♭7(♭9)=E♭dim=B7(♭9)=G♭dim=D7(♭9)=Adim=F7(♭9)」
といえますね。

・・・えーと・・・難しいですか?

ついて来れない方はすみません・・・ついてこれる方は明日最後の締めをします。

ディミニッシュコードは万能

cdim

だいぶ名古屋も夜は涼しくなってきたように感じます。最近裸足でいることが少なくなりました。

さて、昨日はコードトーンについて書きました。今日はディミニッシュコードについての話。

ディミニッシュコードとは短三度の積み重ねでできるコードのことです。

・・・・・??短三度??
短三度というのは音楽用語で任意の音からもう一方の音までの幅を表します。みなさんが耳にしたことのある言葉でいうと「半音」とか「1音」とかと同じような意味で使います。短三度を説明すると、例えば「ド」から数えると「ミ」って「ド・レ・ミ」と3番目の音ですよね。このミの音が半音低いと「ド・レ・ミ♭」となります。このドからの距離を表すときに「ド」から「ミ」と「ド」から「ミ♭」の距離を区別するために「ド」から「ミ」を長3度、「ド」から「ミ♭」を短3度と分けて表記しています。

ちょっと回りくどくなりましたね・・・でも音楽用語をわかり易く説明するのって結構難しいんです。下手すると説明の説明に説明がいるってことも多いです・・・

音で聞くとわかりやすいですね。例えばCdim(Cディミニッシュコード)を音名でいうと「ド・ミ♭・ソ♭・ラ」となります。ピアノやキーボードの方はこれで確認してもらうと良いと思います。ギターの方は
—X–
—3–
—2–
—4–
—3–
—X–

と押えてもらうといいです。

ウクレレの方は

—3–
—2–
—3–
—2–

となります。
実はこのコード、アレンジなどをする上ではかなり使い勝手がいいんです。

例えば

「Dm→G→C→Am」といったコード進行も
「Dm→G7→C→A7」→「Dm→A♭dim→C→B♭dim」と2つもコードがディミニッシュコードに替えられます。

このディミニッシュコードの特徴として面白いのがCdim=E♭dim=G♭dim=Adimということです。どういうことかというと「ディミニッシュコードとは短三度の積み重ねでできるコード」と書きました。でCdimだと構成音が「ド・ミ♭・ソ♭・ラ」ということも書きました。ここで「あれ?」と思った方は頭が切れる方です。この短三度を積み重ねていくと「ド・ミ♭・ソ♭・ラ・ド・ミ♭・ソ♭・ラ・・・・」となります。このことからミ♭から短三度を積み重ねてもソ♭から短三度を積み重ねてもラから短三度を積み重ねても同じということがわかります。ということは「Cdim=E♭dim=G♭dim=Adim」なんです。

これが何を意味するかというと1つのコードが4つのコード名を持つと言えます。

明日はこれを利用したコードアレンジ法を書いていきたいと思います。
・・・・難しかったらすみません・・・説明するのも難しいんです・・・

コードトーンは万能

コードトーン

今日はコードトーンの話をします。

コードトーンと聞いて何のことかわかる方はある程度何かの楽器をしていてジャズなどを勉強している方だと思います。

このコードトーンをきちんと理解して使えるようになるとジャズだけでなくポップスやロックなど西洋音楽であれば大抵の音楽に利用できます。

コードトーンとはコードを構成する音のことです。今日の西洋音楽は基本的にコードとメロディーで成り立っています。クラシックに限っては和音というよりハーモニーですが、その時その時で切り取ると何らかのコードになっているためここでもコードの概念は通用します。私達が普段聞く音楽の99%は西洋音楽ですのでコードトーンをきちんと理解していればほとんどの音楽でコードトーンの概念が通用することになります。

例えばギターやベース、ウクレレを弾いたことがある人ならCやAやGといったコードは目にしたことがあるはずです。このCとは「ドミソ」で構成された和音のことであり、Aであれば「ラド#ミ」で構成された和音で、Gであれば「ソシレ」で構成された和音です。

もっと難しくなっても例えばDm7ー5だったら「レファラ♭ド」といったようにすべてのコードはいくつかの音が同時になることによって成立します。

逆に言えばCというコードがなっているときには「ドミソ」がなっているので当然「ドミソ」だけを弾いていれば間違った音を弾くという心配はありません。

「Dm→G→C→Am」というコード進行であればそのコードごとの構成音は使用できるということになります。楽器も上級者になってくるとこのコードトーンを覚えているかで演奏の効率が全然違います。初見でもアドリブソロが弾けますし、ギターのフレーズを考える際もとても重宝します。逆にコードトーンを知らないと上手くなってから困ることになります。

体で覚えるのに何年かかかるかも知れませんが覚える価値は十分にあります。
もし興味を持ったら調べてみてください。

自分らしい歌い方

ボーカル

今日は歌の話。ボーカルの子と話をしているとよく「もっと高音が出るといい」とか「声域を広げたい」という話をされます。

確かに歌いたい曲の一番高い部分が歌えないのであれば出したくなる気持ちはわかります。僕でも出したいですから(笑)。でも身長と一緒で頑張れば伸びるというわけではありません。もともとその人個人個人で練習により声域は広がるかもしれませんが、僕が

「じゃあマライヤキャリーの声域を努力によって出せるようにしよう」
と考えるのは筋違いです。

男性はもともと女性と同じ高さを出すようにはならない傾向があります。
※「ならない傾向がある」というのは男性でも女性の平均的な声帯に近い人も中にはいますしその逆もいるからです。あくまで傾向としてはという感じです。

声帯は男女だけでなく一人ひとり形状が違いますのでいくら練習しても出来ないこともあります。とはいっても絶望する必要もありません。あくまで人と同じになろうとしないことが大事であって上手くならないわけではないからです。その人にはその人にあった歌い方があるのです。
ところが人間のファーストインプレッションというのは怖いもので、「この歌歌いたい」と思ったときにはすでにアーティストの歌い方が意識にインプットされています。それもそのはず「この歌歌いたい」と思ったのは曲が良いだけでなく歌も気に入ったからです。そうすると、「歌が気に入った」→「こんなふうに歌えたら良いのに・・・」というように勝手に真似をする方向に思考回路がなってしまいます。

そんな状態で歌の練習をしたときにその歌い方や声域、技術がその人に合ってない場合、当然良さが失われてしまいます。

プロのアーティストでもカバーアルバムなどを聴いたときに「この曲はこの歌手にはあってないなぁ」と思うことがあります。プロでもそういった具合ですからプロでない方がそういう思考回路になってしまうのは仕方ないかなぁと思います。

上手く歌えるようになりたい方はそういったことも頭の片隅に置きながら練習されると良いと思います。

作曲のアイディア

アイディア

作曲をしない人にとって作曲は「無から音楽を作り出す」と考えている人がいます。

そのような人にとって作曲はまるで錬金術のように不思議な技術のように見えるようです。

よく生徒さんから「作曲ってどうやったらできますか?」と聞かれます。

作曲は出来る人からするとなんでもない作業です。確かに良い曲が出来るかどうかはわかりませんが作曲自体は難しい作業ではありません。例えるならスピーチを考えてくださいと言われたときに良いスピーチが作れるかというとそこは難しい問題ですが、質を問わず何でも良いからスピーチしてくださいと言われればみなさんも出来ると思います。もちろん言っていることがあまり共感出来なかったり、言葉のチョイスが上手くなかったりとマイナス点は付くかも知れませんがとりあえず適当に話すのであればなんとかなると思います。

作曲も同じです。でも先程書いたように作曲をしたことのない人にとっては未知なる体験です。出来る人から言わせれば「とりあえず適当に鼻歌を歌えば良し悪しは別として歌はできるよ」という話になります。さっきのスピーチを例に取ると「とりあえずみんなの前に立って何か話し始めれば良し悪しは別としてスピーチにはなるよ」となります。

作曲は無から何かを生み出す作業ではなく元々頭の中にあるメロディーの欠片=フレーズを出してそれを別のフレーズを結びつけ形作るという作業です。言葉も同じはずです。ただ、流れが出来ているか、フレーズの結びつけ方や選択でセンスが問われるくらいです。

結局は適当に音を出してみる→変だったらやり直す→上手く言ったら続きのフレーズを出してみる・・・・を繰り返していけば段々と曲作りのコツは掴めてくるのではないでしょうか。

AIでの演奏を考える。

AI

昨日までオルゴールでの自動演奏の事を書いていて、100年ほどまでの人もきっと「自動演奏があったら演奏者なんていらない時代が来るのではないか?」と考えたに違いないと感じました。ピアノもバイオリンもフルートも全部譜面さえあれば自動で演奏でき、1台のオルゴール(自動演奏機)で10台以上の楽器が演奏できるのですから。

でも結局100年たっても同じことが議論されています。このことについて考えたいと思います。

100年前、自動演奏が演奏者にどんな影響を与えたのかというとせいぜいレストランやパブでの演奏の機会が減ったくらいでしょうか。それでも一部の演奏家にとっては死活問題だったのかもしれません。今でもピアノの自動演奏を採用しているレストランやホテルはあります。結局、人が演奏しているのと、自動演奏とCDなどが何が違うかというと「臨場感」です。もちろん見た目もありますが、やはりそこに人がいるのか、ピアノがあるのかで人の音楽の聞き方はかわります。自動演奏はそういう意味では生演奏とCDの中間に位置しているのかも知れません。

逆に言えばこれが自動演奏が生演奏に取って代わらなかった理由とも言えます。実際にロボットが演奏したとしても観客がそれを「ロボット」と認識してしまえば自動演奏の上位互換としての存在価値しかありません。悪く言えば「見世物」になってしまいます。

その価値が生演奏と同等になるにはどうしても「人がその場で演奏している」という事実が必要です。これは実際には人そっくりで判別できないくらいのロボットでも可能です。

逆に人がロボットの格好をして人だと認識されなければ観客にとってはそれは「見世物」になってしまいます。

よくAIの演奏が「抑揚の付け方」や「感情が込めることができない」という面が議題に上がりがちですが僕はそうは思いません。確かにボーカルは難しいかも知れませんが、楽器に関しては音を出すのは楽器ですから、モーションキャプチャーの技術を用いれば実際のアーティストの演奏を数値化して同じ演奏を再現することはもう目の前まで来ている気がします。
人工甘味料の飲み物を飲んでも美味しいと思えるのであればそういう音楽を聴いても良い音楽だと勘違いする可能性は高いです。

少し残念な話にはなりましたが、そうはいってもまだまだALが人に取って代わる日は遠いとは思います。こういう書き方しましたが本音はやはりそうはいってもロボットにはたどり着けない領域があると信じたいところです。ギターを自分よりも感情的に弾かれたら・・・悔しいですもんね・・・笑

オルゴール博物館に行ってきた!③

オルゴール

今日はオルゴール博物館に行ってきた!の3回目です。今回のが僕がみなさんに見てもらいたかったことです。オルゴールと言ってもあの金属的な音だけではありません。紙の譜面をいれると譜面に空いている穴が空気を通し、それによっていろんな楽器を演奏させることができるのです。

例えば空気はピアノのハンマーを打つことによりピアノを奏でることができます。管楽器に空気をいれ、からくり時計のように歯車がまわり例えばフルートの穴を塞ぐことにより任意の音を吹くこともできます。びっくりしたのはバイオリンですら演奏できることです。数台のバイオリンが備え付けられ馬の毛がつけられたローラーがくるくるまわって弦を弾き、歯車がまわって任意の場所を指を模したゴムが弦を押さえ音がなります。

そうするとオルゴールなのにオーケストラの演奏が聞こえるのです。

20世紀初頭には電気が復旧してきたのでゼンマイの必要もありません。グルグルと電気により歯車を回し続けることが出来ますし速度も一定に調整できます。

現在AIによる楽器の演奏が議論されることがありますが、20世紀初頭の段階でも同じことが議論されていたのかもしれません。

こちらをご覧ください。

8:20~くらいから見てください。

こちらはパリの万博に出品されたオルゴールです。オルゴールは「自動演奏機」という意味もあるのでこれもオルゴールだそうですが、もう別物ですね。

3:40~くらいからは先程書いたバイオリンとピアノと演奏するオルゴール。

最初の方はディスクオルゴールですね。

こちらは様々な仕掛けが施されているオルゴールですが、もうなんかオルゴールっていうよりも「カラクリ人形付きオルゴール」といったところでしょうか。

他にも

 

いろいろなオルゴールが置いてありました。動画だとわかりやすいですね。

でも正直大きいものはホールでも演奏できるくらいの大音量です。本物の楽器を使っているので本当のオーケストラのようでした。
唯一残念だったのはやはり同じ場所から全部の音がでると臨場感は減るといったところくらいでしょうか。もちろん本物のオーケストラにくらべれば劣る部分も多々ありますが・・・・ギターのがあったらもっと面白かったのに・・・

本物を見ていただくと僕の感動がわかってもらえるのではないかと思います。

オルゴール博物館に行ってきた!②

ディスクオルゴール

今日は前回の「オルゴール博物館に行ってきた!」の続きです、オルゴールの歴史の話の途中でした。

前回(昨日)はシリンダーで曲の交換ができるタイプのオルゴールの登場まで書いていきましたが。・・・でもこれって今僕らが見かけるオルゴールよりも進化してますよね・・・

僕たちが普段見かけるオルゴールはそういう意味ではかなり初期のオルゴールだと言えると思います。このシリンダーが回転して曲を奏でるタイプですが、大型なものになるとかなり高価なものになります。テーブルくらいの大きさのオルゴールになると富裕層しか買えずしかも1台で家が買えたと言いますから相当制作するのにも時間がかかり、材料にも高級な木材が使われていたのでしょう。

19世紀になると機械の精度が上がり、より緻密な機械が作れるようになります。そんななかでオルゴールもシリンダーではなく円盤に凸凹を作りそこで演奏させる形式がドイツから生まれました。これにより重く高価なシリンダーではなく、レコードのように円盤(ディスク)で曲が持ち運べるようになり、生産コストや収納スペースなども大幅に改善されました。いわばレコードのように演奏する機械とディスクが分けられるようになったのです。これによってオルゴールは比較的安く手に入るようになり、大衆化していきました。

オルゴールは20世紀にはいるとレコードに立場を奪われ衰退していきますが、レコードの登場まではレストランやパブなどでジュークボックスのように扱われ、1枚に何曲もの曲が入ったディスクが10枚以上自動で入れ替わるような仕組みのものも使われていたようです。

全盛期には世界で1億台以上のオルゴールが生産されてきたと言われていますから本当に大衆化していたのだと思います。日本でもサンキョーというメーカーが戦後に出てきて1991年の段階でも1億台ものオルゴールを制作し、世界のシェアの8~9割程度を誇っていたといいます。僕の知らないところでそんなに作られていたんですね・・・・

でも僕がびっくりしたのはこんなんじゃないんです。明日続きを書いていきます。

オルゴール博物館に行ってきた①

オルゴール

今日はオルゴールの話。実は山梨にあるオルゴール博物館へ行ってきたんです。

それも元々は特に行くつもりもなく、チケットを貰ったので立ち寄ったくらいでした。なのでブログに書く予定もなかったのです。ところが中をみると「これは是非知らない人に知ってもらいたい!!」というくらい素晴らしい世界だったのでこうやってブログを書いている次第です。

オルゴール博物館は山梨県の清里の「萌木の村」というスポットにあります。

元々この萌木の村の雰囲気が好きだったので家族で行ったのがことの始まりです。

行ったついでにオルゴールの制作体験というものがあり、子供に体験させようと思って行った帰りに、たまたま、オルゴール博物館の入場チケットを持っていたのでせっかくだから見てみようと言う話になりました。

僕の中ではオルゴールってみなさんがイメージするようなカントリーな雑貨屋で流れていたり、テレビの懐かしいシーンで流れているようなあのオルゴールをイメージしていました。もちろん円盤型のオルゴールがあるのも知っていましたが、この博物館のオルゴールはそんな僕のイメージを凌駕するとてつもない代物でした。

オルゴールの語源は元々「オルガン」が由来です。

アメリカなどでは「ミュージック・ボックス」と言っているらしいです。

オルゴールの期限は17世紀までさかのぼります。「カリヨン」という複数の鐘に音階をつけて建物に設置していたものを小型化するために現在の皆さんの知っている形状である筒状の金属に棘のような出っ張りがあり、これが回転し音階をつけた金属板に引っかかることにより音を出せるようにしました。

ただみなさんが知っているオルゴールは1台につき1曲です。でも1台でいくつもの曲を演奏でしたほうが良いですし、小型なものならともかくホールで響かせるくらいの大型ともなると1台で1曲だともったいない気もします。そのため筒状の金属(シリンダー)がスライドし、別の曲を入れ替えが出来るようになっていました。動力はゼンマイです。
これがこれから進化を遂げるわけですが・・・・

続きはまた明日書きます。

エレキギターが良いかアコギが良いか

guitar

生徒さんからの質問で「先生、練習するときはエレキギターで練習がいいですか、それともアコギで練習したほうがいいですか?」という質問。
もちろん、これを質問してくる生徒さんはエレキギターもアコギも持っていることが前提なのですが、今までに数回聞かれたことがあります。また似たような質問で「エレキギターをやっていた人がアコギに転向するのと、アコギを弾いていたひとがエレキギターに転向するのってどっちが大変ですか?」と聞かれたこともあります。

エレキギターとアコギは基本的には両立できます。エフェクターの存在を無視すれば(クリーントーンという条件でいうと)どっちも同じようなことはできます。音は細くなりますがエレキで弾き語りもできますし、(多少雰囲気がかわりますが)アコギでロング・トレイン・ランニングのようなカッティングを弾くこともできます。

では練習にはどちらがいいかという質問ですが、極論を言えば当然エレキギターの練習はエレキで、アコギの練習はアコギでという話にはなります。でも例えば「スケール練習」となると話がかわります。単純にクロマチック的なアプローチの指の運動ならばアコギの方が適しているかもしれません。でも指板上のスケールを覚えたいのであればエレキギターの方がフレット数が多いので有利だと言えます。弾き語りの練習はエレキだと弦のテンション的にあまり適していないように感じます。チョーキングなどのエレキ特有の技法が入ったものは当然エレキで練習すべきですし、ペンタトニック・スケールなどの練習もエレキでするべきだと思います。

次に「エレキギターをやっていた人がアコギに転向するのと、アコギを弾いていたひとがエレキギターに転向するのってどっちが大変か」という質問に対する回答ですが、初心者~中級者はエレキギターをやってきた人がアコギに転向する方が大変だと思いますが、これが上級者だとするとアコギをやってきた人がエレキに転向するほうが大変なのではないかと思います。初心者~中級者は弦のテンションの問題でエレキからアコギにいくと押さえることに四苦八苦します。またバンドスコアではなくコードが基本なのでそこでも苦労するかもしれません。逆に上級者になるとコードは覚えているのが当然ですし押さえる力も比較的強いのでエレキからアコギへはなんとかいけると思いますが、アコギ上級者はエレキ特有のソロやアドリブ、速弾き等に対応出来ないのではないかと思います。

でもこの結論を言うと顰蹙を買うかもしれませんが・・・・バランスよく両方やってもらうのが一番いい・・・というのが僕の結論です・・・すみません。どっちつかずで。