音楽人口は減ったのか?

YOUTUBE

10年ほど前くらいからライブハウスやレコードショップ(CDショップ)、レコード会社などがどんどん潰れています。音楽業界が不況と言われることもあります。確かにCDの売上だけ見ればそのように感じます。20年前は1年にいくつものアルバムがミリオンを達成していましたが、現在はアイドルか最近の安室奈美恵さんのように特別な事情でもない限りミリオンに届くことはありません。ジャスラックが音楽教室等から著作権料を徴収し始めたのもCDの売上が落ち込んできてそれを補おうとした部分もあるかと思います。

ただし、これだけを見て音楽業界が不況かどうかは難しい所です。バブルの時代と比べてしまうと当然そのように感じるかも知れませんが、好景気でなくなったから不景気かというとそうでもないように音楽業界も好況でないのは明らかですが、不況かどうかは判断が分かれるところかと思います。

音楽教室にしても大手にとっては不況かも知れませんが中規模の音楽教室はそれほど不況を感じてないのではないでしょうか。

僕の感じている感覚では音楽人口が減ったわけでもなく、音楽業界が不況なのでもなく、時代が変化してきて今までのビジネスモデルでは生きていけなくなってきているといった印象が強いです。
CDが売れなくなった原因がYOUTUBEやスポティファイ等に代表される「聴き放題」の音楽にあるのは間違いありません。でもそれは音楽を聞く人がそっちに移動したのであって音楽を聞く人が減ったわけではありません。CDと違ってどれくらい聞かれたかどうかが曖昧になっているので数字としてはあらわしにくいのも一因です。

ライブハウスも潰れていく反面、新しいライブハウスも出来ています。ただ今までと違い料金システムや営業の仕方が多様化しているのを感じます。ライブハウスのライブスケジュールをみればそこのライブハウスがどういう営業状態にあるかは一目瞭然です。20年前は空いている日がほとんどなかったのに今や営業している日のほうが少なくなっているライブハウスもあります。

音楽業界もどんどん多様化していっているのがわかります。僕も音楽教室をやっている以上多様化の波に乗り遅れないようにしないといけないなぁ・・・と考える日々です。

ボーカリストは別言語??

VOCAL

ちょっと変わった題名になってしまいましたが、今日はボーカルと他の楽器の演奏者の意識の違いを書いていこうと思います。

これはボーカルの方でもある程度ライブやセッションをしている方だと思い当たるフシがあると思いますが、音楽のパートの中でボーカルというのは一番ポピュラーであるにもかかわらず一番変わっている側面があります。

例えば、他の楽器に関してはその持っている楽器が音を出すのですが、ボーカルは唯一自分自身が楽器という所です。

通常演奏者は自身の楽器についてより知ろうとしますし、その周辺の道具に関しても詳しくあろうとします。ボーカリストは自身の楽器は自分の身体ですから他の演奏者と同じく楽器(身体)について知ろうとする部分までは一緒です。ところが他の楽器の演奏者が自身の楽器に関係ある道具などにより詳しいのに対し、ボーカルはそこまでではありません。

どうやら自分の身体と道具の間には大きな意識の隔たりがあるようです。

また、通常の楽器の場合最初は音を出すところの練習から初めますが、ボーカルは元々(上手い下手は別として)歌えるところから出発します。みなさん何も練習しなくてもカラオケで何気なく歌っていると思いますが、他の楽器だとそうは行きません。合わせるまでに数ヶ月~数年かかります。

楽器を弾く場合、ただ弾くだけではなく理論や仕組みを知らなければいけないので自然に音楽的な知識も身についていきますし、道具(ギターで言えばエフェクターだったり、バイオリンで言えば弓など)によって音色が変わる場合もあるので道具にも詳しくなります。

そもそもキーボードやエレキギターのようにアンプやケーブルがなければろくに音も響かない楽器もありますがボーカルは身一つあればなんとかなります。
「マイクという道具があるのでは?」という声も聞こえてきそうですが、マイクはライブハウスやスタジオすべて完備されているのでわざわざ自分のマイクを買うという発想すらない人がほとんどです。

なので例えばバンドを組んだ時に知識の無さから肩身の狭い思いをするのもボーカルが多いです。
スタジオ練習の際に
「今のBメロの3小節のところのAmの部分だけどそこってキーボードのテンション何弾いてる?なんか不協和音が出ているように感じるんだけど・・・」
といった言葉もボーカルの人の場合。

「なんか今の◯◯(歌詞)のところ、なんか気持ち悪いんですけど・・・」

となります。他の演奏者は歌詞で言われても意外にわかってないので「??」となります。

バンドしている方で心当たりのあるボーカルの方がいれば音楽用語や他の楽器に興味をもつとメンバー内のコミュニケーションが上手くいきますよ。

オープンマイクのお手伝い

機材

最近話しの流れでいろんな相談をされることが多くなっています。先日はあるカフェでオープンマイクの相談をされました。

以前このブログでも書きましたがオープンマイクとは不特定多数の人が演奏目的でお店に来てチャージを払って演奏をしていくシステムです。ライブと違っていいのは演奏者がお客さんでもあるということです。そのため演奏者はライブと違ってお客さんを呼ばなくてはいけない「チケットノルマ」の心配をしなくていいので精神的にストレスなくライブができます。デメリットとしては1回に2曲程度しか演奏出来ないことです。お客さんを呼ぶ必要がない反面お店に行くと誰でも演奏者だと思われてしまうために、お客さんを呼びにくいシステムとも言えます。

そのカフェは名古屋市外にあり、交通の便はあまり良くないため車でしか行きにくい場所です。店長が以前から音楽に興味があり、音楽のイベントをやりたいという希望があったところに僕が通りかかった・・・と感じで知り合いました。

オープンマイクをするのにどんな設備がいるのかをまず聞かれました。オープンマイクをするためにする設備としては誰がきても気軽に演奏ができるだけの設備がいります。

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たとえばアコギの弾き語りの人がいたとすると何が必要でしょうか??

ボーカル用マイクとマイクスタンド、ギター用マイクとマイクスタンドがいります。またそのマイクを接続し音を鳴らす簡易的なPA設備がいります。
ではボーカルマイク×1、楽器用マイク×1、マイクスタンド×2、簡易PAセットがあれば対応ができるかというとそうでもありません。ーーーーーーーーーーーーーーーーーーー
では、例えば2人組弾き語りフォークディオだとどうでしょう?
ボーカルマイク×2、楽器用マイク×2、マイクスタンド×4、簡易PAセットが要ります。

他にもエレキギターがきた場合、簡易PAセットでも対応は出来ますが、ギタリストはギターアンプが欲しいと言い出します。

・・・といった具合に考えてみると

ボーカルマイク×2、楽器用マイク×2、マイクスタンド×4、ギターアンプ×2、簡易PAセット
これくらいがあればひとまずなんとかなるでしょう。予算としては・・・15万くらいほしいですね・・・

みなさんも、もし簡易的な音楽イベントに参加される際は機材とか見てみると勉強になりますよ。

譜面の読み方(実践編)②

譜面

昨日は譜面の読み方の前半を書きました。講師などプロの演奏者が譜面を読む時は最初に気をつける部分が違うという話をしました。

今日はその続き「視線の先」を書いていきます。

今回の譜面とはCメロ譜というコードとメロディが書かれたものです。

バンドスコアなどは枚数もあり譜めくりの作業もありますので通常は演奏には使用しません。仮に一般の方のサポートを仕事でしなければ行けない場合があってバンドスコアで渡されるようなことがあっても譜面になおしてしまいます。「ギターのリフやソロなどはどうするのか?」という質問が出そうですが、特徴的なリフがあればそれは別に譜面に書いておきます。ソロは基本アドリブです。どうしても完コピが求められる生バンドによるカラオケ的な仕事がある際はケースバイケースで対応することが多いです。

譜面を読むと言ってもライブやレコーディングなど様々ですが今回は「知らない曲を5分以内の初見で読む」や「知っている曲だが何十曲もあるので譜面を頼りに曲を演奏する」というシュチュエーションで書いていきたいと思います。

講師などプロの演奏者が譜面を読んで演奏する時に一番気をつけることは「ロストしないこと(見失わないこと)」です。逆に言えば見失わなければなんとかなります。

基本的には弾くこと自体は技術はあるので通常の曲でしたら、それほど苦にはなりません。

ミスをすることはありますが、弾いていてのミスはほとんどしません。ミスをするときは勘違いだったり構成を飛ばしてしまったりするミスのほうが危険です。例えばサビが5周くらいリピートするのを4周と勘違いしてしまったり、ソロの後で戻る場所を間違えてしまったりと言う感じです。

なので譜面を覚えてない場合は視線は常に1小節先以降を見ています。基本は次の小節ですが少し先にある別のセクションやリピート記号、ダルセーニョマークなどを見て行き先を頭に入れておくこともあります。また先に気をつけなければいけない箇所がないか確認したりもします。

生徒さんにはこれを説明してもなかなか理解してもらえません。

そもそも次の小節を見て弾くことすら危ういのにもっと先を見ると今どこにいるのかわからなくなりそうですよね?
なので視線を別のところに持っていくときは必ず次に目線を戻す先をマーキングしてから視線を外します。

ただ譜面を読む能力が飛び抜けている人だとまた少し変わります。一線で活躍しているスタジオミュージシャンクラスだと読むスピードも把握するスピードもさらに精度が増します。

上を見ればキリがないですが上に行くほど曲を消化するスピードは速くなります。

譜面の読み方(実践編)①

SCORE

音楽教室に通っている方の多くが思うことに

「先生みたいにあんなにすらすら譜面が読めて弾けたら楽しいだろうなぁ・・・」
があると思います。僕もよく生徒さんに言われます。

今日は講師などプロの演奏者と生徒さんとで譜面の読み方はどのように違うのかを書いていきたいと思います。
生徒さんの技術にもよるので正直譜面を読むスピードとギターの上手さを比較する

ことは難しいです。バンドスコアばかり読んでいる人と、コード譜ばかり読んでいる人、耳コピ中心の人では持っているスキルが違います。

講師などプロの演奏者と生徒の一番の違いは「初動」と「視線の先」にあります。

【初動】みなさんは譜面を渡されたら何をまず見ますか?僕の経験だと生徒さんが見ているのは「難しそうかどうか」ではないでしょうか?
譜面がゴチャゴチャしてたら「難しそう」シンプルだったら「簡単そう」という発想です。これはあながち間違ってはいませんが、プロは違います。

まず、弾くまでにどれくらい持ち時間があるかが鍵になってきます。例えば5分あるとすると結構しっかり見れますが、1分だと優先順位をつけながら譜面を見る必要があります。

まず一番大事なのは「構成」です。コードをちょっと間違えたくらいであれば大事故にはなりませんが構成を見失うと戻ってこれなくなります。なのでまず最初にリピート記号の位置やダルセーニョの位置などを確認し、必要であれば蛍光マーカー等で印をつけていきます。

次に自分の役割です。ギターとボーカルだけなのか、トリオなのか、バンド編成なのかで役割が違ってきますので役割に応じた弾き方のシュミレーションをします。そのため、曲のキーやコード進行、テンポ、みんなで合わせる場所がないかなどを確認します。

また不自然なコード進行がないかも確認します。不自然な部分はあまり経験がないコード進行なのでボイシングや手癖が一瞬遅れたりします。逆に2-5-1などの何万回も経験したようなコード進行は目をつむっていても弾けます。

なのですでに譜面を渡されて最初の数分で行う行動が講師などプロの演奏者と生徒さんだと違うのです。

続きはまた明日書きます。

身近にあるEQ

トーンボリューム

名古屋もだいぶ涼しくなってきましたね。1ヶ月前までの気温が嘘みたいです。

さて、昨日はEQについて書きました。ライブやレコーディングをする際にこのEQ(イコライザー)が音に輪郭を与えたり、様々な楽器がゴチャゴチャにならないように調整する機器のことだと言う話をしました。今日はもう一歩踏み込んで書いていきたいと思います。

~身近にあるEQ~

昨日の記事の最後に書きましたがEQはエレキギターやエレキベースには本体に最初からついている場合が多いです。またアコギの方でも「エレアコ」と言われるアンプやミキサーに指して音を大きくできるようになっているアコギの方はボディーの上側にEQがついていることも多いです。(大体EQとボリューム、チューナーがワンセットになっています)

また各種アンプ(ギターアンプ、ベースアンプ、キーボードアンプ)などにもEQはついています。そもそもEQとは電気機器なので完全なアコースティック(生音)の場合は作用しません。生音でもマイクで拾ったりすれば電気機器を通るのでEQがかけられます。

ここで生徒さんが疑問に思うのは「ギターとアンプ、両方にEQ着いていても片方あればいいんじゃないですか?」という素朴な疑問。

ふと考えると最もな気もしますが、これは重要です。なぜならアンプに音が入る前にEQがかかっているのとアンプの中でEQをかけるのは違うからです。カレーのルーを煮込む前の食材と一緒に鍋に入れるのか、食材を煮込んだ後の鍋に入れるのかってくらい違います(笑)

特にエフェクターをかける際は最後に来るのがアンプです。アンプに行く前の最初の音を作るのがギターのトーンとも言えます。ただ、実際はトーンボリュームとりもPUセレクトスイッチでコントロールする場合の方が多く触らない人は多いです。(PUセレクトスイッチとはどのPU=ピックアップで音を拾うのか選択するスイッチのこと。フロントPUの方が低音成分が多く、リアPUは高音成分が多い)

まだあまりギターのトーンやアンプのEQ触ったことないって方は触ってみてください。ディストーションとかはギター側でリアPUのトーン全開にすると歪やすくなりますよ。

EQについて

EQ

今日は普段ギターを弾いている人もボーカルをしている人もレッスンではあまり聞かない音楽用語はいくつもあります。でもその中でも知っておいたほうが良い音楽用語として今日はEQの話をしたいと思います。

EQとはEqualizer(イコライザー)の略称であり、周波数特性を変える音響機器のことを指します。・・・って言っても難しいですよね。音楽用語を使わずにものすごく簡単に言えば
「音がこもっている」→EQをかけるて低い音を小さくする→「こもり」を解消する。
「ボーカルがキンキン聞こえてうるさい」→EQをかけるて高い音を小さくする→ボーカルがキンキン言わなくなる。
「ピアノとギターの音がかぶっていてギターが聞こえづらい」
→EQをかけるてピアノの高音を少し小さくして低音と中音を少し上げる、そのかわりギターの低音と中音を少し下げ、高音を少し上げる→ピアノとギターの音が分離して聞こえるようになる。

といった具合です。(※実際にはこんなに単純ではありませんが・・・・)

ライブをする際やレコーディングをする際にはこのEQを掛ける作業が不可欠です。
この作業をしないと臨場感がないばかりか薄っぺらい音になりますし、聞こえづらかったりしてしまいます。

このEQは音の高音や中音、低音などを調整できる音響機器です。人は高音ばかりに音が偏っていると上手く音を聞き分けれませんし、低音域に音が偏りすぎても上手く聞き取れません。なのでバンドなどを例にとってもドラムとベース、ギター、ボーカルで低いところから高いところまで幅広い音域を出すことで臨場感を出しています。人の耳が聞き取れる(可聴域)をフルに使おうということです。

楽器を扱う人でもある程度ライブやレコーディングをする人は皆さん知っていますし、DTMをされる方は知っていないとまずい単語でもあります。
プロのPAさんだとこれを数値で把握していて低域だと60Hzとか高音域だと8000HZとかを耳で聞き分けられます。プロの中でもトップクラスの方だと信じられないような精度で聞き分けれられます。

エレキギターやエレキベースを弾いている方だとアンプやギターにEQのつまみがついているはずです。簡易的なものだと高音と低音を一つのツマミで操作できる「TONE」と書かれていますし通常のものだと「BASS(低音)」や「TRIBLE(高音」と書かれているはずです。

音が気に入らないときは調整してみましょう。

ジャズとフォークソングを比べる

folksong

今日はむちゃなジャンル比較をしていきます。

ジャズとフォークソングは何が違うってまるで違いますよね?
でもではどう違のでしょう?どう違うかと言われると・・・ジャズを知らない方だと言葉では違いを説明するのは難しいかも知れません。

音楽理論的にいうのであれば
ジャズ・・・4和音以上のコードで曲が展開される
フォークソング・・・基本的には3和音で展開される傾向にある
と言えます。

また、
ジャズ・・・歌入りもあるがインストもある
フォークソング・・・歌入りが前提
とも言えます。

どちらにも詳しくない人に聞くと。
ジャズ・・・難しい(複雑)
フォークソング・・・わかりやすい(単純)
となるかも知れません。

実際この2つの違いは乱暴に言ってしまえば
ジャズ・・・音楽が大事
フォークソング・・・・歌詞が大事
というところが一番の違いといえます。

アーティストは何か伝えたいことがあるけども言葉にすると上手く伝えきれないので、歌詞をメロディーにのせて表現するのですが、ジャズは歌入りの曲でもインストになることからもわかるように歌詞がなくても曲としては成立します。そのかわり伴奏は様々な考え方や工夫が散りばめられ同じ曲でも演奏者によってテンポもキーも構成も違います。

逆にフォークソングは歌詞なしでは成立しません。
その一方で歌を支える伴奏はそれほど難しくなくジャズほど伴奏に工夫は見られません。
悪く言えばほとんどの曲は通常のコードをギターで普通に弾いているだけです。ただ歌に関してはその歌手の個性が目立ちますので歌詞を支える歌い方は大切にされている印象があります。

上記の比較からわかるようにジャズとフォークソングをあえて比較してみましたが本来比較する対象ではありません。ジャズダンスと新体操を比較するようなものです。でも一般的には音楽と一括りされてしまします。フォークソングをジャズの聞き方で聞いてはその本質はわからず陳腐に聞こえるのかも知れませんし、ジャズをフォークソングの聞き方で聞くと難しく感じてしまいます。

もしもこれを読んでいる方の中に同じような聞き方で聞いている人がいれば一度聞き方を変えて聞くと良いと思います。フォークソングは歌詞の内容に集中して聞いてみたり、ジャズは目を閉じてその場の空気を感じるつもりで聞いてみてもいいと思います。

アルペジオが良いのかピッキングが良いのか?

アルペジオ

先日ギター(アコギ)の生徒さんにこんな質問をされました。

「先生、◯◯(曲名)なんですけど、これはアルペジオが良いんでしょうか?それともピッキングが良いんでしょうか?」

その年配の生徒さんは最初習い始めはアルペジオが弾きたいと言われたのでアルペジオを練習していたのですが、アルペジオはコードをちゃんと押えてないと鳴らないので途中からモチベーションが下がってきました。そのためまずはストロークで1拍に一回ずつ弾いて慣れてきたらアルペジオに戻りましょうという話になりました。

ところがどうしてもアルペジオに未練があるようで事あるごとにこの質問をされます。

実際のところ、どっちが良いかは相対的な問題なのでどちらとは言いかねます。激しい曲であれば「ストロークで」とはっきり言えるのですが、バラードだとなんとも言えません。

その曲はアルペジオの曲なのでもちろんその曲っぽく弾くのであればアルペジオが良いのは当たり前なのですが以前それでモチベーションが下がった経緯があるため、コードがまともに鳴らない今はまだ「ではもう一度挑戦してみましょう!」とも言えません・・・・

ギターを始める人はどうしてもギターの「かっこよさ」を求める時があります。この方も「アルペジオ出来たらかっこいいですよねぇ~~」とどうやらかっこいい弾き方がしたいみたいです。
こういう時は我慢をしてもらいます。
物事には順序があるので、「それではこのジャラーンがきれいに弾けるようになったら考えましょうか」とモチベーションを下げないようにレッスンを進めます。

ゆっくり確実にレッスンを進めるとレッスンの終わりにはだいぶスムーズにコードチェンジが出来るようになって満足そう。すると、また・・・・・

「・・・で先生、この◯◯(曲名)なんですけど、これはアルペジオが良いんでしょうか?それともピッキングが良いんでしょうか?」

・・・・・むぅ・・・

「そうですね。このジャラーンがもうちょっときれいに弾けるようになったらですね・・」
そんなレッスン風景でした。

エフェクターのつなぎ方

エフェクター

昨日はエフェクターの話をしたのでもう一つ。
エフェクターには単体1つの役割するものと、1台で何台もの役割をするものがあります。

この「1台で何台もの役割をするもの」はマルチエフェクターと呼ばれます。

1台で何台もの役割をするので良さげですが、礼服をバックや靴まで一式セットになったものを買うようなもので、全部が自分の気に入ることはほとんどありません。例えば「ディレイはいまいち」など不満が出てきます。その点単体で買うと自分で好きなように組み合わせることが出来ます。

バンドを組んだりするとだんだんエフェクターの種類が増えてきます。

エフェクター2台以上の場合はつなぐ順番にも注意が必要です。つなぐ順番が違うと音にも大きな影響があります。パンを焼く前にバターを塗るのと、焼いた後にバターを塗るくらい違います。基本的には基本の音を作るのためのエフェクターが先に来て、出来上がった音に効果が必要なものは後にします。歪み系は基本の音が出来た後です。

基本の音とはコンプレッサーやピッチシフターなど原音を変えるエフェクター。逆に出来上がった音に効果を加えるものとしてはディレイなどが挙げられます。

順番が違うとどうなるかというと例えばリバーブといって残響音を残すエフェクト(カラオケでいうとエコーみたいなもの)のあとにディレイをかけると残響音ごとループしてくれますが、逆にするとループしたものにリバーブ効果が施されるので音の輪郭が曖昧になってしまいます。

コンプレッサーの後に歪系エフェクターを持ってくると適音で歪んでくれますが、
歪み系のエフェクターのあとにコンプレッサーのをかけると歪みが少なくなったりします。

でも大切なのは自分の耳で確認すること。もしエフェクターを2台以上持っている方は試しにいろいろつないでみてください。