練習法

独学について

dokugaku

今回は独学について書いていこうと思います。
現在youtubeなどで様々なジャンルの音楽や楽器、奏法が大抵調べれば世界のどこかで誰かがそれについてレクチャーしているのを目にすることが出来ます。

そういったものを目にするとまるでそのyoutubeの映像だけで上手くなれるのではないかと思います。確かに僕もyoutubeで調べ物をするときはありますがとても便利だと思います。

特に知らない曲を知ったり、ライブ映像などで奏法を解析したりと勉強に使えることは間違いありません。

でもでは独学でギターやボーカルなどが上手くなるかというと答えは「yes」とも「NO」とも言えます。上手くなるのは間違いありません。でも習うよりも上手くなるかというと「NO」です。

楽器を習っている方は自分の先生に聞いてみるといいでしょう。
「先生は独学ですか?」と。
基本的に独学で講師になった人は日本では稀だと思います。僕は出会ったことがありません。通常は何人もの先生に習います。もちろん独学でも上手い人はいるかも知れません。でも僕が知る限りは独学で上手い人も見たことがありません。

結局は独学だとどこかで限界を感じてしまうのだと思います。
また、自分がしている練習方法があっているのか、間違っていたらどんどん悪い癖が着くのではないか、などだんだん不安になってくるのかも知れません。

講師になるくらいの人は一般の生徒さんよりもストイックな傾向にあります。わからないことがあればずっと調べるだけの根気もあります。でもストイックな人は時間のムダが嫌いです。意味のある時間の使い方はいいのですが、わかないことを放置しておけないのです。

「習う」という行為は「時短」と「安心」という2つのメリットがあります。自分で試行錯誤しているよりも同じ道を通った人に聞いたほうが明らかに早いですし、結果もわかりますから安心なのです。
なので独学がありかなしかで聞かれたら

「「あり」ですが、習ったほうが早いですよ。」

というのが答えになると思います。

ディミニッシュコードは万能③

code_dim

昨日までディミニッシュコードは万能ということを書いてきました。
今日は最終回。ついてこれているでしょうか?きっと4分の3くらいの人は脱落しているはず・・・・僕も(これわかってもらえるかなぁ・・・)って半信半疑で書いてます。(苦笑)

昨日は「Cdim=E♭dim=G♭dim=Adim」なので・・・・
「Cdim=A♭7(♭9)=E♭dim=B7(♭9)=G♭dim=D7(♭9)=Adim=F7(♭9)」
といえるというところまで話をしました。

ん・・・コード理論としてはすでに専門学校で話すレベルです。しかも専門学校でもついてこれない生徒も出るレベル・・・

まぁここまで書いてしまったので最後まで行ってしまいましょう!

この「Cdim=A♭7(♭9)=E♭dim=B7(♭9)=G♭dim=D7(♭9)=Adim=F7(♭9)」を強引に簡略化すると、「Cdim=A♭7=E♭dim=B7=G♭dim=D7=Adim=F7」となります。

さらにこれを既存のコード進行にはめてみます。
例えば「F→G7→C→C7」というコードがあったとします。
※できればコードで鳴らして音を確認してもらうと良いです。

理屈はともかくここに例のやつを入れ替えるだけ
「G7→A♭dim=Bdim=B♭7=Ddim=D♭7=Fdim=E7」
「C7→D♭dim=Edim=E♭7=Gdim=G♭7=B♭dim=A7」
なので。
「F→Bdim→C→Gdim」
だったり
「F→D♭7→C→Edim」
だったり
「F→A♭dim→C→E♭7」
とコードアレンジが出来るということになります。

もちろんC7とE♭7とG♭7とA7は構成音が少しづつ違うので聞いた印象は変わります。
代理として使えますが良し悪しはそれぞれあるのでその中から好きなものを選んでもらうと良いかと思います。

ちょっと難易度高めの3日間でのディミニッシュコードの話でしたが、また懲りずにこういった専門的な話も入れていきたいと思います。

ディミニッシュコードは万能②

Cディミニッシュコード

ディミニッシュコードは万能②

昨日はディミニッシュコードの有用性について書いていきました。
ディミニッシュコードはアレンジに使えて「Cdim=E♭dim=G♭dim=Adim」となりますよ。という話で終わったかと思います。

さて、コードというのは1つのコードで別の読み方をすることが多々あります。例えば「ドミソラ」だと「C6」というコードになりますが、これが「ラドミソ」となると「Am7」というコードになります。
ギターの人だと

C6
—0–
—1–
—2–
—2–
—3–
—X–

Am7
—0–
—1–
—0–
—2–
—0–
—X–

と表記をしますが、ベースなどがいる場合はどっちで押えてもC6にもAm7にもなります。
ベースがAを弾けばどっちを弾いてもAm7の音になりますし、ベースがCを弾けばどっちを弾いてもC6の音になるのです。

ウクレレだともっとシンプルです。
—0–
—0–
—0–
—0–

乱暴なようにも見えますがこれでC6でもAm7でもいけるのです。逆にいうとウクレレでもしも「C6→Am7」というコード進行があったらちょっと困ります(笑)両方一緒になってしまうからです。そんなときは数字をとって「C→Am」にするかと思います。

そんなようにコードの構成音が近いとコードの響きも役割も近くなるという性質を使ってディミニッシュコードを他のコードに置き換えてみます。
例えばCdimは構成音が「ド・ミ♭・ソ♭・ラ」と前回書きました。これに近いコードを探すとA♭7(♭9)というコードが見つかります。A♭7(♭9)というコードは「ラ♭ドミ♭ソ♭シ♭」という音の構成でできています。
比べてみると
Cdim 「ド・ミ♭・ソ♭・ラ」
A♭7(♭9)「ラ♭ドミ♭ソ♭ ラ」
となります。
並べ直すと
Cdim 「ド・ミ♭・ソ♭・ラ」
A♭7(♭9)「ド ミ♭ ソ♭ ラ ラ♭」
おおっ! ほとんど一緒。
コードの構成音がここまで近ければ同じコードとして使えます。

ということは「Cdim=E♭dim=G♭dim=Adim」なので・・・・
「Cdim=A♭7(♭9)=E♭dim=B7(♭9)=G♭dim=D7(♭9)=Adim=F7(♭9)」
といえますね。

・・・えーと・・・難しいですか?

ついて来れない方はすみません・・・ついてこれる方は明日最後の締めをします。

ディミニッシュコードは万能

cdim

だいぶ名古屋も夜は涼しくなってきたように感じます。最近裸足でいることが少なくなりました。

さて、昨日はコードトーンについて書きました。今日はディミニッシュコードについての話。

ディミニッシュコードとは短三度の積み重ねでできるコードのことです。

・・・・・??短三度??
短三度というのは音楽用語で任意の音からもう一方の音までの幅を表します。みなさんが耳にしたことのある言葉でいうと「半音」とか「1音」とかと同じような意味で使います。短三度を説明すると、例えば「ド」から数えると「ミ」って「ド・レ・ミ」と3番目の音ですよね。このミの音が半音低いと「ド・レ・ミ♭」となります。このドからの距離を表すときに「ド」から「ミ」と「ド」から「ミ♭」の距離を区別するために「ド」から「ミ」を長3度、「ド」から「ミ♭」を短3度と分けて表記しています。

ちょっと回りくどくなりましたね・・・でも音楽用語をわかり易く説明するのって結構難しいんです。下手すると説明の説明に説明がいるってことも多いです・・・

音で聞くとわかりやすいですね。例えばCdim(Cディミニッシュコード)を音名でいうと「ド・ミ♭・ソ♭・ラ」となります。ピアノやキーボードの方はこれで確認してもらうと良いと思います。ギターの方は
—X–
—3–
—2–
—4–
—3–
—X–

と押えてもらうといいです。

ウクレレの方は

—3–
—2–
—3–
—2–

となります。
実はこのコード、アレンジなどをする上ではかなり使い勝手がいいんです。

例えば

「Dm→G→C→Am」といったコード進行も
「Dm→G7→C→A7」→「Dm→A♭dim→C→B♭dim」と2つもコードがディミニッシュコードに替えられます。

このディミニッシュコードの特徴として面白いのがCdim=E♭dim=G♭dim=Adimということです。どういうことかというと「ディミニッシュコードとは短三度の積み重ねでできるコード」と書きました。でCdimだと構成音が「ド・ミ♭・ソ♭・ラ」ということも書きました。ここで「あれ?」と思った方は頭が切れる方です。この短三度を積み重ねていくと「ド・ミ♭・ソ♭・ラ・ド・ミ♭・ソ♭・ラ・・・・」となります。このことからミ♭から短三度を積み重ねてもソ♭から短三度を積み重ねてもラから短三度を積み重ねても同じということがわかります。ということは「Cdim=E♭dim=G♭dim=Adim」なんです。

これが何を意味するかというと1つのコードが4つのコード名を持つと言えます。

明日はこれを利用したコードアレンジ法を書いていきたいと思います。
・・・・難しかったらすみません・・・説明するのも難しいんです・・・

コードトーンは万能

コードトーン

今日はコードトーンの話をします。

コードトーンと聞いて何のことかわかる方はある程度何かの楽器をしていてジャズなどを勉強している方だと思います。

このコードトーンをきちんと理解して使えるようになるとジャズだけでなくポップスやロックなど西洋音楽であれば大抵の音楽に利用できます。

コードトーンとはコードを構成する音のことです。今日の西洋音楽は基本的にコードとメロディーで成り立っています。クラシックに限っては和音というよりハーモニーですが、その時その時で切り取ると何らかのコードになっているためここでもコードの概念は通用します。私達が普段聞く音楽の99%は西洋音楽ですのでコードトーンをきちんと理解していればほとんどの音楽でコードトーンの概念が通用することになります。

例えばギターやベース、ウクレレを弾いたことがある人ならCやAやGといったコードは目にしたことがあるはずです。このCとは「ドミソ」で構成された和音のことであり、Aであれば「ラド#ミ」で構成された和音で、Gであれば「ソシレ」で構成された和音です。

もっと難しくなっても例えばDm7ー5だったら「レファラ♭ド」といったようにすべてのコードはいくつかの音が同時になることによって成立します。

逆に言えばCというコードがなっているときには「ドミソ」がなっているので当然「ドミソ」だけを弾いていれば間違った音を弾くという心配はありません。

「Dm→G→C→Am」というコード進行であればそのコードごとの構成音は使用できるということになります。楽器も上級者になってくるとこのコードトーンを覚えているかで演奏の効率が全然違います。初見でもアドリブソロが弾けますし、ギターのフレーズを考える際もとても重宝します。逆にコードトーンを知らないと上手くなってから困ることになります。

体で覚えるのに何年かかかるかも知れませんが覚える価値は十分にあります。
もし興味を持ったら調べてみてください。

自分らしい歌い方

ボーカル

今日は歌の話。ボーカルの子と話をしているとよく「もっと高音が出るといい」とか「声域を広げたい」という話をされます。

確かに歌いたい曲の一番高い部分が歌えないのであれば出したくなる気持ちはわかります。僕でも出したいですから(笑)。でも身長と一緒で頑張れば伸びるというわけではありません。もともとその人個人個人で練習により声域は広がるかもしれませんが、僕が

「じゃあマライヤキャリーの声域を努力によって出せるようにしよう」
と考えるのは筋違いです。

男性はもともと女性と同じ高さを出すようにはならない傾向があります。
※「ならない傾向がある」というのは男性でも女性の平均的な声帯に近い人も中にはいますしその逆もいるからです。あくまで傾向としてはという感じです。

声帯は男女だけでなく一人ひとり形状が違いますのでいくら練習しても出来ないこともあります。とはいっても絶望する必要もありません。あくまで人と同じになろうとしないことが大事であって上手くならないわけではないからです。その人にはその人にあった歌い方があるのです。
ところが人間のファーストインプレッションというのは怖いもので、「この歌歌いたい」と思ったときにはすでにアーティストの歌い方が意識にインプットされています。それもそのはず「この歌歌いたい」と思ったのは曲が良いだけでなく歌も気に入ったからです。そうすると、「歌が気に入った」→「こんなふうに歌えたら良いのに・・・」というように勝手に真似をする方向に思考回路がなってしまいます。

そんな状態で歌の練習をしたときにその歌い方や声域、技術がその人に合ってない場合、当然良さが失われてしまいます。

プロのアーティストでもカバーアルバムなどを聴いたときに「この曲はこの歌手にはあってないなぁ」と思うことがあります。プロでもそういった具合ですからプロでない方がそういう思考回路になってしまうのは仕方ないかなぁと思います。

上手く歌えるようになりたい方はそういったことも頭の片隅に置きながら練習されると良いと思います。

作曲のアイディア

アイディア

作曲をしない人にとって作曲は「無から音楽を作り出す」と考えている人がいます。

そのような人にとって作曲はまるで錬金術のように不思議な技術のように見えるようです。

よく生徒さんから「作曲ってどうやったらできますか?」と聞かれます。

作曲は出来る人からするとなんでもない作業です。確かに良い曲が出来るかどうかはわかりませんが作曲自体は難しい作業ではありません。例えるならスピーチを考えてくださいと言われたときに良いスピーチが作れるかというとそこは難しい問題ですが、質を問わず何でも良いからスピーチしてくださいと言われればみなさんも出来ると思います。もちろん言っていることがあまり共感出来なかったり、言葉のチョイスが上手くなかったりとマイナス点は付くかも知れませんがとりあえず適当に話すのであればなんとかなると思います。

作曲も同じです。でも先程書いたように作曲をしたことのない人にとっては未知なる体験です。出来る人から言わせれば「とりあえず適当に鼻歌を歌えば良し悪しは別として歌はできるよ」という話になります。さっきのスピーチを例に取ると「とりあえずみんなの前に立って何か話し始めれば良し悪しは別としてスピーチにはなるよ」となります。

作曲は無から何かを生み出す作業ではなく元々頭の中にあるメロディーの欠片=フレーズを出してそれを別のフレーズを結びつけ形作るという作業です。言葉も同じはずです。ただ、流れが出来ているか、フレーズの結びつけ方や選択でセンスが問われるくらいです。

結局は適当に音を出してみる→変だったらやり直す→上手く言ったら続きのフレーズを出してみる・・・・を繰り返していけば段々と曲作りのコツは掴めてくるのではないでしょうか。

エレキギターが良いかアコギが良いか

guitar

生徒さんからの質問で「先生、練習するときはエレキギターで練習がいいですか、それともアコギで練習したほうがいいですか?」という質問。
もちろん、これを質問してくる生徒さんはエレキギターもアコギも持っていることが前提なのですが、今までに数回聞かれたことがあります。また似たような質問で「エレキギターをやっていた人がアコギに転向するのと、アコギを弾いていたひとがエレキギターに転向するのってどっちが大変ですか?」と聞かれたこともあります。

エレキギターとアコギは基本的には両立できます。エフェクターの存在を無視すれば(クリーントーンという条件でいうと)どっちも同じようなことはできます。音は細くなりますがエレキで弾き語りもできますし、(多少雰囲気がかわりますが)アコギでロング・トレイン・ランニングのようなカッティングを弾くこともできます。

では練習にはどちらがいいかという質問ですが、極論を言えば当然エレキギターの練習はエレキで、アコギの練習はアコギでという話にはなります。でも例えば「スケール練習」となると話がかわります。単純にクロマチック的なアプローチの指の運動ならばアコギの方が適しているかもしれません。でも指板上のスケールを覚えたいのであればエレキギターの方がフレット数が多いので有利だと言えます。弾き語りの練習はエレキだと弦のテンション的にあまり適していないように感じます。チョーキングなどのエレキ特有の技法が入ったものは当然エレキで練習すべきですし、ペンタトニック・スケールなどの練習もエレキでするべきだと思います。

次に「エレキギターをやっていた人がアコギに転向するのと、アコギを弾いていたひとがエレキギターに転向するのってどっちが大変か」という質問に対する回答ですが、初心者~中級者はエレキギターをやってきた人がアコギに転向する方が大変だと思いますが、これが上級者だとするとアコギをやってきた人がエレキに転向するほうが大変なのではないかと思います。初心者~中級者は弦のテンションの問題でエレキからアコギにいくと押さえることに四苦八苦します。またバンドスコアではなくコードが基本なのでそこでも苦労するかもしれません。逆に上級者になるとコードは覚えているのが当然ですし押さえる力も比較的強いのでエレキからアコギへはなんとかいけると思いますが、アコギ上級者はエレキ特有のソロやアドリブ、速弾き等に対応出来ないのではないかと思います。

でもこの結論を言うと顰蹙を買うかもしれませんが・・・・バランスよく両方やってもらうのが一番いい・・・というのが僕の結論です・・・すみません。どっちつかずで。

サムピック

サムピック

昨日「同じ曲の中で指でもピックでも弾きたい場合」にどうするかということを書きました。その際に書いたのは
・ピックで全部弾く
・指で全部弾く
・サムピックなどで対応
・手にピックを隠し持って指弾きをする
という内容でした。

僕はこの中でサムピックだけは使っていません。
サムピックとは通常親指と人差指で挟んでもつピックを親指に固定して弾くためのピックです。カントリーミュージックなどでよく使われます。

正直そっち系の人以外のプロのギタリストはほとんど使われないピックです。
理由は簡単でピックの角度が実際に普段持つ角度と違い繊細なピックコントロールが不可能になるからです。
ギタリストも上級者以上になると親指の屈伸などピックの角度の精度が不可欠になってきます。自分が思っている音がでないからです。
僕も指弾きとカッティングの両立を考えたときに一度しばらく使ってみましたが結果的にはイメージする音を出せないと感じ断念しました。

でも昨日サムピックの話をしたので今一度調べてみたところ面白い記事を見つけました。

初心者にサムピックがおすすめだというのです。個人的には全然おすすめ出来なかったので記事を読んでみたところなるほど!親指が曲がるのを抑制するためにつけるんだそうです。確かに親指が曲がる人は多いのでそういう人にとっては良いかも知れません。

そして僕が問題視していたサムピック使用時にピックの角度が調整できないという点も僕がサムピックを断念したときから改善していました。こんなサムピックがあるんですね。角度が変えられるサムピックです。

サムピック

これだったら思ったように角度調整できるかもしれませんね。
とはいえ僕が使うことはないと思いますが・・・・・サムピックも進化を遂げてるのだなぁと感心しました。

ゆっくりと弾く!!②

ゆっくり

昨日はゆっくりと弾くことの重要性などを書きました。

今日は違う側面からゆっくりと弾くことの重要性を書いていきたいと思います。

難しい演奏をゆっくり弾くのは誰だって理解できます。でもその本来の意味合いや実際にゆっくりな場合に体がどう反応するかまで考えている人は多くはありません。
では一度普段何気なく行っている動きをスローモーションにしてみましょう。

例えば無意識でしている動きはどうでしょう。

試しに両手を組んでみてください。よく組んだときに右手の親指が上に来る人は「右脳タイプ」とか左手の親指が上に来ると「左脳タイプ」とかそういう話ではありません。笑

超スローモーションで自分の指が組まれる様子を感じてみてください。そうするとなんか不思議な感じがしませんか?超スローモーションで両手を組んだあとに普段どおり組もうとすると今度は妙に意識をしてしまうかもしれません。無意識を意識化すると今まで見えなかったことが見えるようになります。

試しに同じ原理でギターやウクレレ、ベースなど楽器を弾きましょう。ギターやウクレレの場合、カッティングをしてみましょう。普段の半分のスピードで良いです。

できればメトロノームを使って普段のカッティングのスピードを測り、その半分のスピードで弾いてみましょう。本当にそのリズムを習得していれば半分のスピードで弾いてもグルーブ(ノリ)は変わりません。

でも残念なことにほとんどの人は半分のスピードで弾くとのっぺりとした演奏になってしまっているのに気づくはずです。ようするに速く弾くと弾けているように聞こえるだけで実際は弾けてないのです。逆に言えばこんどは半分のスピードで練習すればいいとも言えます。そうすると元のスピードに戻したときのノリが変わって来ます。

 

一度慣れた演奏を半分で弾いて実力チェックをすると良いと思います。